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jueves, 31 de julio de 2014

Y colorín, colorado, este blog se ha acabado.

Pufff, 550 entradas en 1 año.  275 entradas en los primeros 5 meses, 275 entradas en los siguientes 7 meses.  Parejito lo mío.  Los dejo con una pintura de Soey Milk y un mensaje final para el cierre del blog.


River Campeón 2014 (Título N°35 en la Argentina), San Antonio Spurs Campeón de la NBA 2014 (Título N°5), Las Leonas terceras en el Mundial en Holanda 2014, La Selección Nacional Subcampeona del Mundo en Brasil 2014.  Sin duda, deportivamente hablando, estos últimos 7 meses han sido sumamente fructíferos.  Nos queda el Mundial de Basquet, en el cual no tengo demasiadas expectativas y que preferiría que Manu Ginóbili no lo juegue para tenerlo entero para pelear un añito más en la NBA con los Spurs.

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A nivel país, creo que la Argentina va en el rumbo equivocado desde Octubre de 2011.  El ya famoso "vamos por todo", creo que de a poquito, pero sin pausa, está destruyendo a nuestra sociedad.  Ojalá que me equivoque.  Me gustaría poder vivir tranquilo los próximos 10 años (ahora tengo 40 para 41 y quiero llegar a los 50 sin vivir otra crisis como las de 1987-1991 y 2001-2004).  Se perdió mucho en esos años, y dudo muchísimo que se pueda decir que hubo una Década ganada desde el 2003, para mi, a lo sumo, puedo hablar de una etapa positiva entre mediados del 2004, principios del 2005 y hasta mediados del 2011 como mucho.  Todo lo que vino después del 54% ha sido muy malo para el 46% restante, y yo me considero un granito de esa parte de la pizza.

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Cuando tenga una nueva idea para nombre de blog, me pondre los botines y volveré a las andadas, por ahora esto es The End, El Fin, Fine.

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jueves, 17 de julio de 2014

El Elefante en la Habitación: Agnès Sorel, La Virgen con el niño y ángeles / La amante Real

Jean Fouquet (Tours, Francia, ca. 1420Tours, Francia, ca. 1481) es considerado uno de los grandes pintores del Renacimiento inicial y el renovador de la pintura francesa del siglo XV, hacia 1450 pintó el Díptico de Melun, encargado por Étienne Chevalier.

En ambas tablas realizó un compendio de los modos flamencos, italianos y góticos. Así, los detalles del trono y de la corona de la Virgen son flamencos, las figuras monumentales de Étienne de san Esteban y la arquitectura con perspectiva fugada son italianas. Sin embargo, el retrato de Chevalier es flamenco, los ángeles son góticos y la composición es renacentista.

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Formado en la tradición francesa del gótico internacional, desarrolló un nuevo estilo, integrando las fuertes tonalidades cromáticas del gótico con la perspectiva y los volúmenes italianos, así como la innovación naturalista de los flamencos.

En el detalle del rostro de la Virgen del díptico de Melun se aprecia que el rostro tiene forma de ovoide y que la iluminación divide el rostro en dos partes, una más reducida con fuertes sombras y relieves, la otra más amplia prácticamente sin sombras con un efecto dominante plano. El modelado no es continuo: muy acentuadas las sombras en la derecha, disminuyen al pasar a la izquierda y desaparecen en la parte más izquierda. Incluso zonas de la izquierda que deberían tener sombras, deliberadamente las hace desaparecer. De esta forma consigue la parte izquierda del rostro con una componente eminentemente plana que contrasta con la tensión y la profundidad de la parte sombreada de la derecha. Se señala también cómo está resuelta la mirada con unos párpados prácticamente cerrados y con las tres zonas de luz sobre estos y la zona de los labios.

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En la tabla de la izquierda, el donante está en oración, protegido por su santo patrón, San Esteban, con las vestimentas de diácono. Encima del libro, san Esteban lleva una piedra puntiaguda que indica que fue lapidado. Hay un tratamiento importante de la luz, contrastada en luces y sombras, y de la forma en que esas figuras se encuentran en el espacio real, que es de clara influencia italiana. Sin embargo el interés con que capta las telas, los mármoles, la piel, remite a la influencia flamenca de Jan Van Eyck.

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El realismo de esta tabla contrasta fuertemente con el otro panel del díptico, donde se consigue crear una composición muy idealizada que parece irreal, y con la luz nuevamente, que juega un papel importante. La atmósfera celestial se sitúa frente a la terrenal. La Virgen aparece como una mujer muy hermosa y elegante, de piel blanca y perfecta y frente muy ancha. Lleva una capa de armiño y el seno izquierdo desnudo tiene que ver con el papel de María como nodriza de la humanidad. El trono y la corona se adornan con perlas y gemas.



Los ángeles están dispuestos de modo que cada rostro está en posición diferente: los azules son querubines y los rojos son serafines, según decían los Padres de la Iglesia. Los ángeles monocromos, rojos y azules, contrastan fuertemente con el blanco marmóleo de la Virgen. Como Virgen aparece Agnès Sorel, amante del rey Carlos VII, de la que Chevalier era amigo y albacea testamentario. Se decía que la bella Agnès era la mujer más hermosa de Francia. El Díptico se dispuso en la capilla funeraria de Agnès Sorel en la catedral de Melun, con la intención de facilitar su entrada al Reino Celestial. Sin embargo, también es motivo de controversia el que sea Agnès Sorel, pues, aun siendo una tradición muy antigua, hay quien defiende que se trata de la esposa del pintor, Catherine Bude.

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Sus diseños estaban cuidadosamente pensados de antemano. Conocía los aspectos técnicos necesarios para captar la atención del espectador mediante una composición que basaba en círculos, en el número áureo y en polígonos regulares. En cuanto a los círculos, habitualmente empleaba el círculo central y un segundo que inscribía en la mitad superior del cuadro. Se aprecia la relación entre ambos, cómo el primero más general dirige al segundo más particular.

La amante Real


El rey Carlos VII de Francia era un hombre tímido, tristón, pusilánime y sin iniciativa. Y si pasó a la historia con el sobrenombre de "el victorioso" no fue por méritos propios, sino gracias a dos mujeres de bandera que se cruzaron en su camino y evitaron, cada una a su manera, que el reino se fuese al garete. La primera de ellas fue Juana de Arco, que reconquistó para Carlos VII gran parte de los territorios que estaban en manos de los ingleses. Como recompensa, fue acusada de brujería y condenada a morir en la hoguera en 1431. Carlos VII, con su habitual indolencia, no movió ni un dedo para evitarlo.

La segunda era, según las crónicas, la mujer más bella de Francia. Agnès Sorel, una jovencita de veintiún años, rubia, con ojos azules y un cuerpazo espectacular, llegó a la corte francesa en 1443 como dama de honor de Isabel de Lorena, esposa de Renato I de Sicilia. Carlos VII se encaprichó de ella y Agnès no tuvo más remedio que ceder a sus deseos. En esa época, no era prudente negarle nada a un rey por muy cuarentón y feo que fuese (y éste lo era un rato).

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La esposa oficial, María de Anjou, aceptó los cuernos con deportividad y se hizo amiga de su rival, consciente de que no podría competir con ella. Según Chastellain, cronista oficial del duque de Borgoña, la reina tenía "un rostro que infundiría miedo hasta a los ingleses". Viendo su retrato, no nos queda más remedio que darle la razón. Aun así, el aspecto de la reina no fue obstáculo para que Carlos VII le fabricase la friolera de trece hijos. Y es que el rey era paradete en temas de estado pero cuando había mujeres de por medio, revivía milagrosamente.

Agnès Sorel fue la primera en ostentar el título oficial de "amante real" (maîtresse royale). Su influencia sobre el rey era tan grande que prácticamente gobernaba Francia ella sola. Una de sus mayores hazañas fue conseguir que Carlos VII retomase la lucha contra los ingleses, recuperando la totalidad de su territorio y poniendo fin a la guerra de los Cien Años.

En la corte, causaban sensación sus espectaculares vestidos con escotes de vértigo. Tan de vértigo, que dejaban su busto totalmente al descubierto, sin dejar nada a la imaginación. Podríamos decir que la bella Agnès puso de moda el topless en las cortes europeas.

En el invierno de 1450, embarazadísima de su cuarta hija, Agnès Sorel deja el castillo de Chinon para reunirse con el rey en la campaña de Jumièges y avisarle de una conspiración o darle apoyo moral (no se sabe con certeza). Nada más llegar, enferma gravemente de disentería y da a luz a una niña prematura, muriendo al poco tiempo. Tenía solo veintiocho años. Desde el principio, se habló de un posible envenenamiento, aunque no se pudo demostrar. El principal sospechoso no era otro que el primogénito de Carlos VII, el futuro Luis XI, que llevaba varios años conspirando contra su padre y su querida.

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En el año 2004, aprovechando el traslado de la sepultura de Agnès Sorel en la colegiata de Saint-Ours de Loches, se hizo un estudio de sus restos. El resultado de este CSI Loches fue concluyente: la maîtresse royale murió envenenada por una ingesta excesiva de mercurio. ¿Suicidio? ¿Error médico? ¿Asesinato? Quién sabe...

El retrato más famoso de La Dame de beauté, sobrenombre con el que se conocía a Agnès Sorel, es el díptico de Melún pintado por Jean Fouquet hacia 1452. Fue un encargo de Étienne Chevalier, tesorero de Carlos VII, para la tumba de su esposa, Catherine Budé, en la colegiata de Notre-Dame de Melun. Sus dos mitades están hoy en museos diferentes, una en Berlín y otra en Amberes.

¿Y qué me decís de la virgen María, tan virginal ella? Los rasgos son claramente los de Agnès Sorel, que podemos ver también en la escultura tallada para su tumba: la frente depilada, la boca pequeña y la barbilla partida. El panel está pintado con los colores heráldicos del rey: rojo, azul y blanco (que también son los colores que más destacan en el panel de la izquierda). La anatomia de la modelo es totalmente artificial, con una cintura de avispa imposible y unos enormes pechos esféricos demasiado separados (¿de dónde sacarían la inspiración los de Mattel para crear a la Barbie?) El vestido, con el escote abierto, podría hacer referencia a la moda del destape impuesta por Agnès Sorel en la corte.

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http://eleleenlah.blogspot.com.ar/2014/03/agnes-sorel-la-virgen-con-el-nino-y.html
http://domuspucelae.blogspot.com.ar/2014/03/visita-virtual-virgen-de-melun-una.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Agn%C3%A8s_Sorel
http://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Fouquet
http://micasaesmimundo.blogspot.com.ar/2010/04/agnes-sorel-el-diptico-de-melum.html
http://www.harteconhache.com/2013/01/las-reinas-del-destape-i-agnes-sorel.html
http://www.rtve.es/noticias/20140212/prado-presenta-virgen-nino-jean-fouquet-mona-lisa-virgenes/877502.shtml

El Elefante en la Habitación: Mattise, El gran Voyerista

“Matisse se ha vuelto loco. Matisse es peor que el ajenjo”. Pintó Utrillo en un muro de Montparnasse. Y sabía lo que eso significa, la locura del ajenjo fue el demonio de su época, los delirios se repartían entre la sífilis y la demencia del hada verde. La obra de Matisse tiene abismos que hacen pensar en esquizofrenia, son dos artistas los que pintan, uno busca la aprobación de las vanguardias y la experimentación y otro, quiere la sensualidad, el placer, la belleza. Este último es el Matisse de las odaliscas.




Refugiado en Niza después de la Primera Guerra Mundial, recupera como dijo Ingres “el dibujo, que es el cimiento del arte y el ombligo que es el ojo del torso”, y se vuelca en los vientres redondos de sus modelos, en su reposada espera. Matisse en Niza se convierte en el primer voyerista moderno. En sus desnudos provocados, artificiales y teatrales, él es cómplice de quien posa, y la actitud de sus esclavas nos dice que él está adentro, que no están solas, que forman parte del harem.

Estas odaliscas son las adolescentes que hoy conectan su webcam en la computadora y se muestran desnudas, se masturban y provocan a los miles de internautas que las observan, mientras que en la otra habitación, como en otra escena de Matisse, su madre y sus hermanos pequeños juegan al ajedrez.

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Este fenómeno de explotación del estado íntimo, del rompimiento de esa pared y la intrusión indiscriminada de extraños en la privacidad, es antes que un vicio moderno un logro estético de Matisse. Sus obras son vistas por una cámara de video que graba 24 horas, en donde los personajes a veces evidencian que el espía está ahí, y otras lo ignoran, lo niegan voluntariamente. Él como los voyeristas de internet, les pide a las modelos que tengan una actitud, les monta un decorado, las viste, y crea espacios fantásticos, harems que sólo existen en el interior de su casa.

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En la mayoría de las de litografías de desnudos, las modelos descansan sobre un diván, están con la confianza de ser observadas por un viejo amante, a veces lo miran, esperan que les pida algo: que abran las piernas, levanten los brazos, cierren los ojos. Y a un lado está Matisse, con algo más de 60 años, pintando completamente vestido, con corbata y su bata blanca, mientras una joven posa de espaldas, mostrando sus nalgas perfectas, nalgas que Matisse conoce perfectamente y puede dibujar con dos trazos.
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Estas litografías de desnudos son obras de quien ha tocado muchas veces esos cuerpos, que los ha tenido entre las manos, que los posee cuando le da la gana. Matisse conocía el poder de la intimidad, sabía que si lograba meternos dentro de esas casas, en las habitaciones de estas mujeres, nos íbamos enganchar como si fuera ajenjo. El poder de la adicción al sexo, a la curiosidad que implica ver, entrometerse en lo que no nos pertenece es una droga violenta.



Y Matisse explotó ese vicio, esa adicción a la contemplación de la cotidianeidad ajena, reconstruyó con milimétrico detalle casas, estancias, ambientes y nos introdujo hasta el fondo para que supiéramos como viven esas personas. Lo cubrió de colores explosivos para jalar nuestro apetito. Son lugares hedonistas, aquí el placer corre de un cuarto a otro. Y al fondo una ventana abierta nos dice, me gusta que me vean, me encanta que violen mi espacio, que escuchen mis quejidos, que se enteren que estoy cogiendo con el pintor, que me cojo a Matisse.

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Existen estudios de género que reprochan la pasividad de las modelos, dicen que son utilizadas, sin percatarse que no son pasivas, que gozan mientras son observadas. Los voyeristas existen porque los exhibicionistas son unos viciosos. Es la felicidad del apetito saciado, y la promesa de que habrá más. En las odaliscas con pantalones, una de rayas, otra blancos, los pliegues repiten los músculos del coño, y la piel está bañada por la luz cálida de Niza, que provoca brillos. Matisse que venia de los colores planos y las líneas sin luces, con voracidad describe hasta la obsesión la suave y tibia carne de sus esclavas, de sus mujeres dispuestas y amables. Ese ojo que es el ombligo que lo mira, es el otro espía, el que ve como Matisse ha regresado al placer, a la luz, a la voluptuosidad.
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Publicado por Laberinto de Milenio Diario, el sábado 1 de agosto.

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http://www.wikipaintings.org/es/henri-matisse/mode/all-paintings

martes, 15 de julio de 2014

Fuseli el Gótico

Pintor de difícil clasificación, se le ha calificado de neoclásico, neomanierista y prerromántico. En sus imágenes confluyen corrientes que provienen de las tradiciones clasicista y manierista con otras que son específicas de la pintura inglesa y nórdica, reflejando una concepción de lo sublime que se manifiesta en el arte y la literatura inglesas del siglo XVIII. En su estancia en Italia alcanzó su estilo definitivo, basado en el manierismo, con rasgos clasicistas, pero más dramáticos que los de sus contemporáneos.

Su apasionamiento, emocionalismo y subjetividad —lo que llamamos «romanticismo»— llevó su estilo hacia lo irracional. La obra de Füssli tiene un marcado carácter teatral, no sólo por los temas, sino por su sentido plástico de las imágenes, en cuya representación huye de la perspectiva renacentista. Las formas de sus figuras se apartan de las reglas de las lecciones de anatomía y dan lugar a nuevas criaturas fantásticas y sensuales.

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«La Pesadilla», la pintura que aseguró su reputación desde que la mostró en la Royal Academy en 1782 [existe otra versión en el Museo Goethe, Frankfurt]: inolvidable imagen de una mujer en las fauces de una pesadilla prestidigitada por un súcubo, en la cual se insinúa el oscuro erotismo del que son heraldos esos demonios; mostrando por otro lado cuan profundo se había adentrado Fuseli en las neblinosas zonas de la psique y el ecosistema nocturno donde el sexo y el terror se unen en diabólico matrimonio.

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Su fascinación por lo horroroso y fantástico también se manifestó en muchos de los temas literarios que eligió ilustrar, los cuales componen una gran parte de la totalidad de su obra. Él pintó varios trabajos para la Galería de Shakespeare de Boydell, y en 1799, siguió este ejemplo abriendo su propia Galería de Milton en Pall Mall, con la exhibición de 47 de sus pinturas. Fuseli fue una figura muy influyente y respetada en vida, pero su trabajo fue generalmente ignorado durante casi un siglo después de su muerte, hasta que los Expresionistas y Surrealistas vieron en él uno de los suyos, elevándolo a su altar particular.

La gama de sus influencias es enorme, destacándose la de los Manieristas italianos del siglo XVI. En cuanto a sus temas… bueno, en verdad representan un safari a través del ecosistema nocturno en todos los niveles: físico, mental y espiritual. Están los mundos mágicos de las hadas, los grandes momentos mitológicos y lo que alguna vez pasó y quedó registrado en la biblia. Y todos ellos desde la noche, desde la pesadilla. Sus cuadros nos golpean con el reflejo del impacto del horror del cual son víctimas muchos de sus personajes. Todo fue abordado desde la reverente posición del que sabe que su función es temer y respetar… temer los poderes ocultos que acechan en cada pesadilla: sus portales dimensionales desde el más allá, hacia el más acá detrás de nuestros párpados.

William Blake, dijo de Fuseli: «El único hombre de los que alguna vez he conocido, que no me hizo casi vomitar». La alabanza puede que no sea muy fantástica, pero quien la profirió si lo fue, y si nuestro visionario no sintió repulsión de la presencia de Fuseli, fue por algo más profundo que un buen hábito de higiene. Quizás, no percibió la prutrefacción de la vida ordinaria en el genio germano.









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http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Johann_Heinrich_F%C3%BCssli
http://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Paintings_by_Johann_Heinrich_F%C3%BCssli 
http://darkclassics.blogspot.com.ar/search/label/John%20Henry%20Fuseli%2F%20Johann%20Heinrich%20F%C3%BCssli
https://es.noticias.yahoo.com/blogs/arte-secreto/la-pesadilla-henry-fuseli-un-angustioso-trastorno-nocturno-140927550.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Johann_Heinrich_F%C3%BCssli
http://peelslowlynsee.wordpress.com/2010/06/30/when-film-imitates-art/ 
http://spars-spars.blogspot.com.ar/2009/06/fuseli-artista-depravado.html
http://vintage-erotica-forum.com/t31214-natasha-richardson.html
http://www.historia-del-arte-erotico.com/1769_Henry_Fuseli/home.htm
http://zothiqueelultimocontinente.wordpress.com/2011/02/07/neosapiens-13-henry-fuseli-una-pesadilla-para-cada-ocasion/

Borgman (2013) de Alex Van Warmerdam

Atención, un OVNI. Borgman de Alex Van Warmerdam es una de las sorpresas de la sección. Este cineasta holandés, que es además dramaturgo, pintor, escritor y actor, no se hacía presente en Cannes desde 1998, cuando presentó Little Tony, su cuarta película, en Un Certain Regard.

El año pasado Holy Motors de Leos Carax fue considerada la película rara, la que se salía de las normas dentro de la Competición Oficial de Cannes. Este año, el honor parece haber recaído en Borgman de Alex van Warmerdam, una comedia negra sobre un hombre que llega a romper con las normas establecidas y con el orden de una familia adinerada. Es la primera producción holandesa en competir por la Palma de Oro en 38 años.



Borgman es la primera  película holandesa en Competición en Cannes desde 1975. A excepción de Paul Verhoeven, quien trabaja actualmente en Estados Unidos, las noticias cinematográficas de ese pequeño país son más bien escasas. Por otro lado, Alex Van Warmerdam no solo se dedica al cine. También es pintor, autor y director de teatro y escritor. De modo que en casi 30 años de carrera "apenas" ha realizado 8 largometrajes, entre los que se cuenta la pelicula de culto Los norteños, que causó un gran efecto cuando fue estrenada en 1992: "asombrosa", "inenarrable, loca y divertida". Su tercera película, The Dress, también tuvo una excelente acogida y obtuvo el premio de la Crítica Internacional en el Festival de Venecia en 1996.



Alex Van Warmerdam suele ser comparado con Buñuel, Tati y Kaurismaki, debido a su universo absurdo e insólito. Según el cineasta, Borgman es mucho más sombría que sus películas anteriores. "Quería sumergirme en una región oscura y desconocida de mi imaginación para ver que podía encontrar." Y encontró a Borgman: un hombre que toca a la puerta de una familia acomodada y pide que le permitan darse un baño. ¿Quién es? ¿Un sueño, un demonio, la encarnación de nuestros miedos? El espectador deberá encontrar él mismo las respuestas, ya que Alex Van Warmerdam quiso hacer una película abierta a la interpretación, una película que plantea más preguntas de las que responde.



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Borgman es un personaje, y esta película dedica la mitad de su tiempo a que comprendamos que nunca hemos visto uno igual; también es cierto que dedica la otra mitad a arrebatarle buena parte de esa singularidad. Borgman es algo así como un antisistema, con vida de comadreja y perseguido hasta su agujero por la «burguesía»; entra en los hogares siempre con el permiso previo y una vez allí destila una mezcla de maldad, «conciencia», perversión, humor negro y grandes dosis de caos emocional en el hogar invadido.

El guión provoca una constante sensación de incomodidad, que se ve extremada por el modo de filmar del holandés Alex van Warmerdam y la «chulería» que desprende el personaje que interpreta, Jan Bijvoet, pues de ambos se desconoce en todo momento cuál es su función y su intención. La historia es un corrido entre lo estrambótico y lo espeluznante, y está cargada con tanta metralla simbólica, tanto forraje y mensaje, que cada espectador puede encontrarle su sintonía. Lo que es indudable es su intención perturbadora, su capacidad de inundar de «ruido» la música tradicional, familiar, burguesa..., la búsqueda de ese cuartito de lo sórdido en que la mayoría prefiere mantener tapiado.


El mal se ha representado de muchas maneras a lo largo del siglo que lleva activo del séptimo arte. Desde seres de ultratumba, demonios, monstruos de todo tipo, asesinos en serie, espíritus cabreados, animales salvajes, extraterrestres, mutantes o las devastadoras fuerzas de la naturaleza. Pero Alex van Warmerdam no quería nada de eso, sino enfocar ese mal como algo cotidiano y mundano. Gente normal en apariencia, educada y trabajadora de la que nunca sospecharías nada malo. Gente que actúa a plena luz del día en verano, en la aparente placidez del buen clima. Y uno de ellos es Camiel Borgman.

Para acercarse a Borgman hay que ir predispuesto a todo y con la mente abierta. Hay elementos sobrenaturales, mucha sugerencia y pocas explicaciones, pues Warmerdam prefiere que cada uno interprete a su gusto, generando más preguntas que respuestas. Y desde luego que clima y desasosiego crea un rato.

La película empieza ya de forma críptica y abrupta, en medio de una cacería donde varias personas, entre ellos un cura, buscan a algo en el bosque. Pronto descubrimos que ese “algo” son personas que viven en unas improvisadas viviendas subterráneas y que logran escapar de sus perseguidores. El que parece el líder, Borgman, se acerca a una gran residencia ajardinada, donde llama a la puerta pidiendo hospitalariamente una simple ducha para un hombre que lleva días sin ella. Pronto descubriremos que sus intenciones distan mucho de ser precisamente “hospitalarias”...



El comportamiento de Borgman, aunque nunca se diga nada al respecto en la película, se asemeja mucho a la de un Alp, una especie de elfo del folklore germano, muy alejado de esos duendecillos dulces y amables que ayudan a Santa Claus. Estos elfos oscuros se les describía como seres maliciosos capaces de provocar enfermedades y malos sueños. De hecho, la palabra alemana para pesadilla es Albtraum que, literalmente, significa “sueño de elfo”. Y es que se creía que las pesadillas eran provocadas por un elfo sentado encima del pecho de la persona que dormía, tal y como aparece en la película. Esto ayuda a apoyar ese elemento sobrenatural que percibimos constantemente en la película aunque nunca se nos explique nada al respecto, seguramente para abrir la puerta a segundas y terceras interpretaciones simbólicas, quizás relacionadas con las clases sociales (el mal se presenta como una especie de indigente que se inmiscuye en la vida de una familia acomodada) o de una especie de seres justicieros o sectarios (todos llevan una marca de una cicatriz en su espalda, dato importante).

A través de un buen guión que presenta con todo detalle la paulatina invasión casi imperceptible a vista de los inquilinos, como si de un caballo de Troya se tratase, que cuando se abre, ya es demasiado tarde para evitar el asedio; la historia logra cautivar al espectador más receptivo, ávido de cualquier detalle, por insignificante que parezca, que le ayude a ir completando datos sobre esta gente y lo que están haciendo realmente. También ayuda considerablemente a este aspecto la soberbia interpretación contenida de Jan Bijvoet como Camiel Borgman, que jamás levanta el tono de su voz, pero a través de su mirada y gestos logra crear un logrado personaje sumamente inquietante.

Para quien aún no haya tenido la suerte de verla, decirle para que se haga una idea que podríamos fusionar el ritmo y onirismo de Enemy (en menor escala) con la angustiosa invasión a la intimidad que nos mostraba Haneke en Funny Games.   Pero esto es simplemente para intentar preparar a la mente para una película tan libre y enigmática como Borgman, pues realmente la película holandesa poco se parece a las anteriormente mencionadas. En cualquier caso, decir que cualquiera de las tres es sumamente recomendable.

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Borgman – El extraño que hay en ti

Escrito por: Beatriz Bravo |

El cine puede ser mucho más que un simple entretenimiento. No estoy descubriendo nada nuevo al afirmar tal cosa, pero lo cierto es que cada vez resulta más complicado encontrar películas que te demuestren lo contrario; productos cuyo principal objetivo diste de la evasión e inciten a pensar e indagar en preguntas sobre las que puede o no haber respuestas. Aunque de vez en cuando, entre superhéroes, películas de explosiones y ñoñerías varias, llegan a nosotros filmes de este tipo, trabajos que implican un ejercicio mayor que el de sentarse en una butaca a mirar la pantalla. Pero no me malinterpreten, yo en particular adoro ir al cine sin más pretensión que la de evadirme del mundo real durante unos instantes, pero es de agradecer que cada cierto tiempo las películas te recuerden que este arte es más que un pasatiempo en el que refugiarse. Y precisamente esa cualidad es la que hace del cine el medio más completo que existe.

Borgman, de Alex van Warmerdam, forma parte de esas películas poco frecuentes que generan preguntas al espectador. La última obra de este polifacético director holandés podría definirse utilizando adjetivos como desconcertante o sugestiva, palabras que, en este caso, están íntimamente ligadas a la subjetividad. Y es que Borgman no es una película que haya que entender sino que interpretar. Todo lo que se muestra en ella puede ser interpretado de maneras muy diferentes, de ahí la importancia de que el espectador se muestre receptivo y dispuesto a reflexionar.

Y esa subjetividad tan evidente que emana de Borgman es la que ha provocado la división de opiniones en torno a ella. La película de van Warmerdam se presentó en la Sección Oficial del pasado Festival de Cannes y aunque se marchó de vacío, los halagos no fueron pocos. Muchos expertos la calificaron como hilarante, imaginativa, espeluznante y genuinamente perturbadora, pero otros la criticaron por su falta de concisión. Pocos meses después la película se alzó con el máximo galardón en el Festival de Sitges, terminando de llamar la atención de todos aquellos que aún se mostraban reticentes a su visionado. Es precisamente esa diversidad de opiniones la que hace aún más interesante a Borgman ya que es un producto hecho para la discusión, para el choque de pareceres entre espectadores.


Para este peculiar ejercicio cinematográfico, que pone a prueba la agudeza intelectual del espectador, van Warmerdam ha optado por actores con escasa experiencia en el mundo del cine, y aunque en Borgman lo más destacable no es su reparto, es innegable que el papel de Borgman, a quien da vida Jan Bijvoet, es esencial para que el filme funcione. Porque para que la inquietante atmosfera que el director consigue crear surta efecto y cale en el espectador, es necesario que el actor transmita todo con su cuerpo, y la pasividad que muestra Bijvoet a lo largo de la cinta es perfecta para que esto tenga lugar.

Tres hombres armados, uno de ellos un sacerdote, están cazando en el bosque. Su presa se esconde bajo sus pies: un hombre, sórdido y sucio, que duerme en un refugio bajo tierra que él mismo ha construido. Borgman consigue escapar de sus perseguidores y avisa a sus compañeros, que se esconden en refugios similares. Borgman camina por la verde avenida de un vecindario acomodado. Llama a uno de los timbres y pregunta a quien abre la puerta si puede tomar un baño… De esta manera tan turbadora comienza Borgman.

Aunque antes de eso, antes de que la película de van Warmerdam te atrape con los interrogantes que despierta su inquietante historia, se puede leer sobre un fondo negro la frase “Y descendieron sobre la Tierra para reforzar sus huestes”. Ya entonces comienzan a asaltarte las primeras preguntas: ¿serán ángeles, demonios? A medida que la película avanza a esos interrogantes se suman otros muchos: ¿quién es Borgman? ¿De dónde viene? ¿Por qué se esconde? ¿Qué significa la cicatriz de su espalda? ¿Qué pretende?… Lo peor (o mejor) es que todas esas preguntas no se responden y la duda acompaña al espectador durante el visionado de toda la película.



Borgman tiene unos primeros 40 minutos muy prometedores, unos minutos que además, coinciden con la parte más desconcertante del largometraje. Durante ese tramo de la película a muchos les resultará imposible no recordar aquella magnífica obra que Wim Wenders realizó en 1987 llamada El cielo sobre Berlín, en la que unos ángeles sobrevolaban Berlín custodiando a los humanos. Es entonces cuando te preguntas si Borgman será uno de esos ángeles, si su misión será la de proteger a las personas. Y la respuesta es muy simple: tal vez sí o tal vez no. Lo correcto sería decir que Borgman representa aquello que quieras creer.

Es cierto que pasados esos minutos la película parece estancarse en una postura determinada, las acciones de estos peculiares personajes parecen definir sus intenciones (si hablamos del Bien y el Mal), aunque nunca se llega a tener la certeza sobre nada. ¿Se trata de un simple juego para ellos o de verdad quieren cambiar en algún sentido las vidas de la familia en la que se integran? Quizá estos seres pretendan sacar lo peor del ser humano, poner a prueba su resistencia, sus celos y ambiciones, o quizá lo único que quieren es divertirse a costa del sufrimiento ajeno. Borgman también puede entenderse como una mordaz crítica a la forma de vida de la clase alta, esa dominada por la insatisfacción y la codicia, una clase alta que las extrañas criaturas que pueblan este filme descomponen desde dentro.

O quizá Borgman no quiera decirnos nada de eso. Quizá van Warmerdam ha jugado con nosotros de la misma manera en que juegan Borgman y sus compañeros en la película. La única cosa que parece clara es que la mezcla de humor y maldad que desprende la cinta resulta irresistible. Ver Borgman significa quedarse pasmado delante de la pantalla durante casi dos horas, sin que te moleste no saber qué significado tiene cada cosa. La película consigue que compartas el miedo y la angustia de sus personajes con una facilidad insólita.

Es cierto que quizá el mensaje que quiere transmitir Borgman (si es que existe) sea excesivamente amplio y se toque con demasiada imprecisión como para que consiga llegar al espectador, pero esa mezcla entre comedia costumbrista y thriller psicológico, que tanto recuerda al Funny Games de Michael Haneke, consigue despertar tal curiosidad que poco importa todo lo demás, resulta imposible resistirse a un producto así.

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http://butacaancha.com/como-le-fue-a-borgman-de-alex-van-warmerdam-en-cannes-2013/
http://conexiontravisbickle.blogspot.com.ar/2014/02/critica-de-borgman.html 
http://criticasen8.blogspot.com.ar/2014/07/borgman-caballo-de-troya.html
http://extremelongshot.wordpress.com/tag/borgman/
http://hoycinema.abc.es/critica/20140711/abci-borgman-opiniones-201407101654.html
http://thepiratebay.se/search/borgman+2013/0/3/200/
http://www.afcinema.com/Cinematographer-Tom-Erisman-NSC-discusses-his-work-on-Borgman-by-Alex-van-Warmerdam.html?lang=fr
http://www.elantepenultimomohicano.com/2013/05/cannes-2013-borgman-criticas.html 
http://www.festival-cannes.fr/es/article/60111.html
http://www.klownsasesinos.com/borgman-2013/
http://www.lacabecita.com/2014/07/borgman-el-extrano-que-hay-en-ti/
http://www.marcovanrijt.com/Portraits/VOGUE-Nederland-Hadewych-Minis
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https://www.youtube.com/results?search_query=hadewych+minis&filters=hd&lclk=hd
https://www.youtube.com/user/VEOCLIPS/search?query=borgman  
http://www.zimbio.com/pictures/4ubKNezO2QG/Borgman+Premieres+in+Cannes/5QO5WUhJXjt/Hadewych+Minis
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